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Nuevo tráiler del libro del 50 aniversario de Led Zeppelin

viernes, 12 de octubre de 2018
8:31:22 a.m. 

Llega un nuevo tráiler del libro fotográfico que celebra el 50 aniversario de Led Zeppelin. En sus 400 páginas se recogen fotografías del archivo de la banda británica. 

Led Zeppelin by Led Zeppelin es el primer y único libro ilustrado oficial producido en colaboración con los miembros de la banda.

Celebrando 50 años desde su formación, abarca la incomparable carrera musical del grupo y muestra a Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham en y fuera del escenario, en su actividad diaria y en el estudio.

Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, el folk, e incluso el country.

Más de 30 años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock.

Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos, ​ y es la segunda banda con más discos de diamante (otorgados cada diez millones de ventas en EE. UU.) de la historia de la música, sólo por detrás de The Beatles.

Los discos con esta certificación son: Led Zeppelin IV (23 millones), Physical Graffiti (15 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Box Set (10 millones). En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número 14 en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos».​

Led Zeppelin y el ocultismo

Muchos de los mitos de la banda que se mantienen hasta la actualidad son los rumores acerca de que la banda practicaba magia negra y que en los temas Dazed & Confused, Whole Lotta Love, The Battle of Evermore, Stairway to Heaven, Four Sticks, No Quarter y Kashmir aparecían mensajes satánicos, cosa que generó controversia sobre las producciones de la banda.

La controversia más famosa está relacionada con Stairway to Heaven, ya que han sido bastantes personas quienes aseguran haber percibido mensajes satánicos (Here’s to my sweet satan / Aquí está mi dulce Satanás) reproduciendo la canción al revés, cosa que siempre ha sido negada por la banda. Otra de las canciones que, presuntamente, contienen mensajes de carácter satánico es Dazed and Confused.

Estilo

Led Zeppelin ha sido una de las más influyentes formaciones dentro del desarrollo del hard rock, ​ sentando a su vez las bases de lo que después sería conocido como heavy metal junto con grupos como Black Sabbath o Deep Purple durante la década de 1970.​ Esto último vino dado con la publicación del disco debut de la banda, Led Zeppelin I, en 1969, el cual incluía un sonido mucho más duro y contundente que el de muchas bandas de la época sin abandonar el sonido orientado hacia el blues presente en el anterior grupo de Jimmy Page, The Yardbirds, en el que se explotaba más dicha tendencia.

Durante toda su discografía también se puede observar trazos de música psicodélica heredada de músicos como Jimi Hendrix. ​ El sonido presente en el siguiente trabajo de la formación, Led Zeppelin II, continúa con el sonido de su antecesor mezclando blues, hard rock y psicodelia a partes iguales.

El primer cambio de rumbo dentro de la discografía de la banda se da en Led Zeppelin III, en el que el estilo más acústico y folk predomina a lo largo de gran parte de las canciones incluidas en el trabajo,51​ aunque sin abandonar el hard rock presente en los dos anteriores discos del grupo. Sin embargo, el trabajo más importante en la carrera del grupo es para muchos Led Zeppelin IV. Dicha observación viene respaldada por el número de ventas del disco, hasta la fecha el más exitoso de Led Zeppelin en este campo, gracias en gran medida a la inclusión de Stairway to Heaven, la canción más famosa de la banda.

El álbum está considerado como pieza clave en la posterior evolución del rock. ​ Después de la publicación del cuarto trabajo del grupo, éstos editan Houses of the Holy, en el que se fusiona el hard rock y el blues con elementos tomados del reggae o del funk. De vuelta de nuevo a sus raíces, la banda publica Physical Graffiti bajo la constante estilística de los trabajos de debut, así como Presence y In Through the Out Door.

Influencia

La importancia de Led Zeppelin se observa claramente en el gran número de bandas que se consideran influidas por ellos. Entre ellas cabe destacar a algunas tan diversas como Wolfmother, Aerosmith, ​ Guns N’ Roses, Tool, Stone Temple Pilots, Rage Against the Machine,59​ Judas Priest,60​ Metallica, ​ Megadeth, ​ Diamond Head,63​ Blind Melon,64​ The White Stripes, ​ Kingdom Come o Living Colour.

Led Zeppelin está considerada como la banda que allanó el camino a las posteriores bandas de heavy metal setentero, como Deep Purple o Black Sabbath, así como una de las que sentó parte del estilo sobre el que se cimenta el hard rock heredado por el grunge en la década de 1990.

Tal ha sido la influencia de la banda en la historia del rock que han sido diversas las formaciones creadas en tributo a Led Zeppelin, entre las que hay que destacar Dread Zeppelin, Get the Led Out o Lez Zeppelin, integrada enteramente por mujeres. En el año 2013 una encuesta realizada por la estación de radio británica Planet Rock clasificó a Led Zeppelin en el 1º lugar entre las "bandas más influyentes de la historia".

En el año 1995, se decidió grabar un disco homenaje a Led Zeppelin, titulado Encomium, que incluye versiones realizadas por otros artistas de canciones originales del cuarteto británico. Entre dichos artistas cabe destacar Stone Temple Pilots, Blind Melon, Sheryl Crow o Duran Duran.59​

Page siempre estuvo interesado en la vida y obra de Aleister Crowley, llegando a adquirir la mansión de veraneo de éste.

Cabe también destacar que al final del disco Led Zeppelin III puede escucharse una famosa cita de Crowley, que dice: «Haz lo que tú quieras, será toda Ley».44​

Discografía

• Led Zeppelin (1969)
• Led Zeppelin II (1969)
• Led Zeppelin III (1970)
• Led Zeppelin IV (1971)
• Houses of the Holy (1973)
• Physical Graffiti (1975)
• Presence (1976)
• In Through the Out Door (1979)
• Coda (1982)

     

 

(Fuente: EFEEME/Kiwipedia)

 

 

 

 

Una noche con Kurt Cobain

martes, 25 de septiembre de 2018
5:59:16 p.m. 

Por Michel Hernández 

Un homenaje a Kurt Cobain y a su banda en el teatro Karl Marx, un tributo en toda regla que se adentró en el desesperado trasfondo del líder de Nirvana. La organización corrió a cargo de Orlando Cruzata, director del proyecto Lucas, junto al proyecto BandEra. (Foto: Zammys invocó al espíritu de Kurt Cobain. La imagen de Cobain es de noviembre 1991)

Kurt Cobain disparó a la sien de una generación cuando se voló la cabeza en 1994. Tenía 27 años y nunca pudo vencer el aluvión de fama que lo persiguió con Nirvana tras la publicación de Nevermind. El grunge era un movimiento rebelde, transgresor, irreverente hasta que ocupó titulares en todos los medios de Estados Unidos y las empresas comenzaron la carrera como un caballo desbocado hacia la venta de todo lo que oliera a grunge: jeans gastados, desteñidas camisas a cuadros y una apariencia desaliñada que iba contra los cánones de la moda.

Kurt, que venía de sufrir recaídas con las drogas y de una vida llena de lacerantes conflictos existenciales en los que él mismo fue el verdugo de sus emociones, se había convertido, sin saberlo, en la voz de una generación y su suicidio dejo huérfano a un movimiento que cambió la faz del underground estadounidense. Bien visto, desde su conversión a estrella de rock, Kurt parecía proyectado a un destino marcado por la muerte y la historia.

Yo tenía 11 años cuando Nirvana publicó Nevermind. Tres años más tarde tomé conciencia de que había una banda en el lejano y húmedo Seattle que hablaba de mí y de una parte de mi generación, esos que veían más allá de las breves luces de la vida, de sus puestas en escena, de sus ornamentos y  fuegos artificiales, y que descubriera en temas como Smell Like Teen Spirit una razón para encauzar todo el sentido de la necesaria rebeldía adolescente.

El segundo disco de la banda se transformó en objeto de culto y lo veneramos, no podía ser de otra forma,  hasta los límites de la locura. No existía nadie en la época que escuchara rock and roll —al menos en mi extenso círculo de amigos— y no encontrara en la ansiedad y el desespero contenido del Nevermind un documento sonoro que de alguna forma lo identificara como parte de una generación.

Durante aquella época no fueron pocos los que nos tildaron de raros. No era para menos teniendo en cuenta que aún corrían los años 90. Yo iba al preuniversitario con un collar de huesos sobre el cuello que el tiempo se encargó de  convertir en polvo, unas raídas botas militares que usó mi padre durante sus años de corresponsal de guerra en Angola y con el pelo casi por la mitad de la espalda. Otros de los socios de correrías y amigos para la vida, no se quedaban a la zaga. Algunos con las uñas pintadas de negro, con los manos llenas de pulsos y pañuelos en la cabeza a lo Axel Rose, parecían  sacados de un video de Guns n´ Roses o del bueno de Rob Zombie.

Les confieso que nunca me atreví a soñar, a diferencia de mis colegas del pre, con vivir un concierto de Nirvana y mucho menos de asistir a un homenaje en Cuba a esa banda que definió mucho de lo que soy ahora, cualquier cosa que eso sea. Sin embargo, me equivoqué. El director del proyecto Lucas, Orlando Cruzata, un rocker de ley, junto al proyecto BandEra, organizó recientemente un homenaje a Kurt y a su banda en el teatro Karl Marx. No fue, digámoslo así, uno de esos homenajes al uso para salir del paso. Fue un tributo en toda regla que se adentró en el desesperado trasfondo del líder de Nirvana, en sus puntos de quiebre, en su visión tremenda de la existencia humana y en la influencia que ejerció sobre varias bandas y generaciones.

Un puñado de grupos locales fue el encargado de traer de vuelta a Kurt y a Nirvana. Los grupos hicieron lo suyo con dignidad y algunos hasta trataron de incorporar lo más posible el espíritu indomable de Cobain. Los locos tristes fue una de esas nuevas bandas que le ha surgido, para bien, a la escena rockera cubana. Su vocalista, la actriz Zammys Jiménez, se empeñó en ahondar en las entrañas de Kurt con la precisión de un cirujano. Zammys se desdoblaba desde una esquina para tratar de reconstruir los pedazos de la vida al límite del músico estadounidense y rescatarlo de la soledad que rodeó su existencia a pesar de la fama,  lanzaba algunas frases sobre su decurso, sobre la ruptura de los límites y luego se colocaba frente a su banda para cantar varios de sus himnos. Para ella era como asistir al despertar de la vida mientras traía de la muerte al ícono grunge.

La actuación de «Los locos» y de su vocalista tuvo un efecto catártico en una noche que era, también, para eso, para que todos nos entregáramos a esa orgía de emociones que provocaba el reencuentro con el pasado, por feliz o duro que haya sido.

Por el teatro desfilaron otras alineaciones que no fueron menos. Collector, esa hibridación entre el trip hop y los sonidos industriales a lo Nine Inch Nails, también se vio abocada a una actuación nada desdeñable. La banda, con apenas un año de vida, ha demostrado que tiene todo para tocar la gloria en la escena alternativa local con una propuesta inédita en esa tierra ignota que es el rock nacional.

Para los músicos más jóvenes que llegaron tarde para vivir los 90 esta fue la oportunidad de mostrar respeto a uno de sus ídolos. Bandas como Miel con Limón y Tracks  ofrecieron interesantes versiones en directo de los temas de Nirvana que encajaron perfectamente en el diseño del programa.

A decir verdad, yo no iba con muchas expectativas porque eso de los homenajes nunca me ha despertado demasiada simpatía. Pero después de más de una hora en la que se escucharon clásicos como Come as you are, Lithium, Smell Like Teen Spirit,  percibimos que lo de allá arriba, es decir, lo del concierto, iba en serio. Cuando el vocalista Héctor Téllez Jr., hijo del bolerista Héctor Téllez, irrumpió para interpretar otro de los clásicos de Kurt, la música de Nirvana se le metió al teatro en la cabeza gracias a una interpretación pasional, paranoica y demente, como correspondía, con la que Téllez demostró que es una de las mejores voces del rock cubano y de las nuevas generaciones de cantantes en la Isla. El músico desmenuzó la obra de Kurt y la devolvió con una energía renovada y una enorme vigencia.

En algunos momentos, como casi siempre sucede en este tipo de espectáculos, existieron desbalances entre la calidad de las particulares interpretaciones de algunas bandas en comparación con las que reinaron en esta noche de Nirvana, pero, en conjunto, fue un excelente muestrario del profundo sentido de tributo del primer homenaje público que se le realiza en Cuba a los pioneros del grunge, al que todavía le sobreviven héroes como Eddie Vedder tras el suicidio de Kurt, al que le siguieron, en una trágica cronología, las tempranas muertes de  Layne Staley,  Scott Weiland y Chris Cornell.

Lo más trascendente es que se haya podido celebrar el homenaje a un ídolo de muchos de los que estuvimos ahí y de otros amigos de generación que se han alejado del mapa, pero siguen siendo junto a Kurt, su Nevermind y su Nirvana, una parte inseparable de nuestra dispersa geografía espiritual. Por mi lado, solo extrañé en los asientos colindantes a mis entrañables amigos del pre para rememorar los agitados 90 en la noche de la resurrección cubana de Kurt Cobain.

(Fuente: Granma)

Paul McCartney dedica en su último album una canción a Trump

martes, 18 de septiembre de 2018
5:39:49 a.m. 

El último álbum de Paul McCartney, Egypt Station, que acaba de ser editado, contiene una canción especialmente dirigida al presidente Donald Trump y su negación al cambio climático, reveló el exBeatle. 

"Gente que niega el cambio climático… Creo que es la cosa más estúpida de la historia", dijo McCartney en una entrevista con la cadena BBC News para promover su nuevo álbum, con el cual volvió el último domingo a la cima de ventas en Estados Unidos. "Así que solo quería hacer una canción que hablara de eso y básicamente dijera: 'Ocasionalmente, tenemos un capitán loco navegando en este barco en el que todos estamos y que nos llevará al iceberg' (a pesar de) ser advertido, no es una buena idea'", señaló el músico de Liverpool.

El exbeatle, que con Egypt Station se ubicó en el número 1, puesto que no conseguía desde hace 36 años, agregó que el verdadero tema de su nueva canción es el presidente estadounidense. "Bueno, quiero decir que obviamente es Trump, pero hay muchas otras personas. El no es el único", dijo.

La decisión de Trump de retirar a Estados Unidos del Acuerdo de París contra el cambio climático provocó críticas y preocupación de diferentes sectores. Además de eso, su gobierno desmanteló de forma eficiente y sigilosa muchas otras políticas medioambientales de gran envergadura.

McCartney presentó su nuevo álbum el 7 de septiembre pasado con un concierto gratuito dentro de la Grand Central Station de Nueva York, que fue transmitido por streaming a través de su canal de YouTube. "¿Cuál es la estación más genial en la que podríamos pensar?", dijo al público que asistió al show exclusivo.

Egypt Station vendió el equivalente a 153.000 copias en los Estados Unidos en la semana posterior a su lanzamiento el 7 de septiembre, según el servicio de rastreo Nielsen Music.

Inusualmente para un álbum que lidera las listas, prácticamente todas las ventas fueron compras tradicionales en lugar de adquisiciones en streaming o pistas descargadas individualmente.

El álbum de 16 temas es el primero de Paul en su etapa solista que debuta en la cima del ranking Billboard de los Estados Unidos. A los 76 años, el músico tiene previsto una serie de conciertos para promover su nuevo trabajo. La última vez que el exBeatle encabezó la lista de ventas fue en junio de 1982 con el disco Tug of War, pero el flamante trabajo es el primero que llega directamente al primer puesto.

Es la octava vez que McCartney alcanza el número uno en la lista estadounidense sin los Beatles, contando sus éxitos con el grupo Wings, que creó tras la separación de la mítica banda británica en 1970. Con la famosa banda de Liverpool, McCartney lideró el ranking en 19 ocasiones, la última vez en 2001 con una colección de Hits.

(Fuente: ANSA)

 

La razón por la que Freddie Mercury no volvió más a México

sábado, 08 de septiembre de 2018
12:32:19 a.m.  

El líder del grupo de rock británico Queen, solo visitó México una vez en 1981 para dar tres conciertos (uno en Monterrey y dos en Puebla), pero un incidente ocurrido en uno de ellos lo convenció de no volver a este país. 

El 9 de octubre se celebró en Monterrey, en el Estadio Universitario, el primer concierto de Queen, que se desarrolló sin contratiempos, excepto por una rampa que cayó e hirió a algunas personas. Sin embargo, el celebrado dos semanas más tarde en el Estadio Olímpico Ignacio de Zaragoza, en Puebla, no tuvo el mismo éxito. 

Allí Mercury salió a la escena con un sombrero de paja de gran tamaño para impresionar el pueblo mexicano. Sin embargo, el público no vio en su gesto una broma o guiño positivo, y algunas personas empezaron a lanzar zapatos, botellas y otros objetos a Mercury y otros miembros de Queen. 

Pero este detalle no fue el único que enfurió a la gente. El cantante escupía agua a las primeras filas, algo que era común en todos sus conciertos pero que, en este caso, solo agravó la situación. 

  

Paralelamente, llamó la atención el mal comportamiento del público en general, que bebía y actuaba de forma díscola. La escasa seguridad para controlarlo, la reventa y compra de entradas falsas, además del consumo de diferentes sustancias prohibidas, añadieron leña al fuego. 

 

"México, muchas gracias por los zapatos", se despidió Mercury al final del concierto añadiendo comentarios con lenguaje explícito.

A pesar del incidente, la reacción del público durante el tercer concierto celebrado un día más tarde en la misma ciudad fue positiva y Mercury dio las gracias a la multitud. "Muchas gracias por ser un público totalmente diferente esta noche. Se lo agradecemos a todos", dijo el líder de Queen, que no volvió más a México a dar otro concierto en los diez años transcurridos antes de su muerte en 1991.

(Fuente: RT)

 

 

Madonna, la sexagenaria Reina del Pop

 

jueves, 16 de agosto de 2018
9:32:01 a.m.  

Madonna, la artista que marcó a una generación que creció escuchando su música, una cantante que ha mutado con los años, celebra hoy sus 60 años. Marrakech, ciudad turística por excelencia de Marruecos, está siendo testigo de las celebraciones por el cumpleaños de la reina de pop. 

Madonna Louise Veronica Ciccone es una de las cantantes más reconocidas del mundo, yendo a contracorriente muchas veces y adelantándose en otros momentos, constituye un icono feminista, de liberación sexual y abanderada de los derechos de los homosexuales. 

Se la podrá criticar por muchas razones pero hay que reconocerle que ha sabido seguir el camino al éxito, siempre con sus propias reglas y su propia fuente de inspiración y retroalimentación artística, creando una imagen de mujer sensual, provocadora, inocente, andrógina, y dominante con látigo y esposas, varios años antes de las 50 sombras de Grey. 

  

Fue platinada al estilo Marilyn Monroe; hizo de la permanente un sello; tuvo su etapa country, también disco; incluyó su religión (la Kabbalah) entre sus canciones y tuvo una etapa oriental. También fue morocha, y tantos tonos de color como aparecen en el pantone de los coloristas sin perder su esencia: provocación, ritmos pegadizos y letras sobre el amor.

Procedente de una familia numerosa (es la tercera de seis hermanos), llegó a Nueva York desde Michigan con 35 dólares y un abrigo para estudiar danza contemporánea. “Fue la cosa más valiente que he hecho”, dijo; aunque los reflectores la encontraron en otra disciplina, la música.

Luego de probar con bandas como Breakfast Club y Emmy, arrancó una carrera solista que no se ha detenido, hasta alcanzar no pocos y variados reconocimientos como el ingreso al Salón de la Fama del Rock, siete premios Grammy y dos Globo de Oro.                                                               

Con sus más de 300 millones de discos vendidos en su carrera, es la mujer más exitosa de la música de todos los tiempos.

 

Claro, en sus logros también hay una meticulosidad para ser el centro de atención y una astucia comercial que la llevó a crear su propia compañía discográfica, Maverick Records desde la que lanzó a Alanis Morissette y trabajó con Miley Cyrus, Lily Allen, Fifth Harmony y The Prodigy. También fue una de las primeras en ver el potencial comercial de internet, asociándose a la compañía Tidal, con la que ha lanzado sus últimas canciones.

Entrevistada por Vogue Italia, Madonna tiró unos dardos contra la música actual: “todo es tan formulista, y cada canción tiene 20 artistas invitados, y todos suenan igual”, dijo desde Lisboa, donde reside.

 

Sin intenciones de retirarse y con las Madonna Louise Veronica Ciccone exativas de sus seguidores por saber con qué ritmo o estilo regresará, celebra hoy sus seis décadas de vida, y según parece por su vitalidad y entusiasmo, habrá reina para un rato largo.

(Fuente: El País Uruguay)

Los dos mundos de Fito Páez en La ciudad liberada

martes, 03 de abril de 2018
6:52:33 p.m. 

“Es difícil ser totalmente feliz en un mundo donde la mayoría no lo es. Y es inevitable que se cuelen los dos mundos adentro de La ciudad liberada”, ha dicho el rockero argentino al comentar sobre su nuevo disco, “el mejor que ha hecho en unos cuantos años”, y que presentará el viernes próximo en el Teatro de Verano, de Montevideo. 

La última vez que estuvo en Uruguay, Fito Páez dijo que se sentía en condiciones de decir que Montevideo también era él, y más de 4.000 personas se lo reconocieron con un aplauso cerrado en el coliseo montevideano.

“Hay algo de amor en la historia de Fito Páez que se percibe en el público que lo sigue y lo va a ver cada vez que viene —que son muchas, y generalmente en distintos formatos—, y en sus proclamas desde el escenario”, escribe el colega Fernán Cisnero para tvshow. 

En este oportunidad Fito Páez responde a Fernán con una serie de audios de Whatsapp, grabados una mañana temprano después de una gira por suelo mexicano. Aquí les dejo la entrevista resumida:

—Muchos han dicho que La ciudad liberada es su mejor disco en mucho tiempo. ¿Eso es injusto o es verdad?

—Yo creo que si nos vamos a guiar por lo que dicen muchos, deberíamos revisar el colapso mundial en este momento. Creo que es un álbum precioso, y estoy seguro de que lo amo como a todos mis álbumes, porque fueron hechos con amor y pasión.

—La ciudad liberada comienza con un saludo al sol y termina con un “se terminó”. Y eso me llevó a pensar el disco como uno conceptual, del tipo “Un día en la vida de Fito Páez”. ¿Hay algo de eso?

—No fue pensado desde lo conceptual. Simplemente que cuando vas trabajando un álbum aparecen un montón de ideas, y es inevitable que si había un “Aleluya”, pensar que “Se terminó” podía ser un falso final, que lo es. Por otro lado, es imposible escapar de la naturaleza pisciana; uno es presa de su signo también, y todas estas cosas están escritas en las estrellas. Entonces en todo caso, más que pelearse con eso, lo dejo fluir, y evidentemente entre el comienzo y el final se crea una suerte de concepto, volátil y efímero, que tiene en el medio todos esos colores, que están entre el canto de jubileo del “Aleluya” y la ironía de “Se terminó”.

—“Se terminó”, además, podría referir al fin de una era del mundo y de la Argentina, como cuando dice “no se asuste señora de la cacerola, se le terminó”. ¿Cree que el fin de los gobierno kirchneristas es el fin de un tiempo?

—No pensaría la respuesta en una coyuntura tan específica. Me parece que el mundo está viviendo un movimiento total, hacia situaciones políticamente muy conservadoras, entonces me parece que algo de eso percibí en el aire, y está en las canciones. […] Creo que estamos en un tiempo de cambios profundos; ya no sabemos quién gobierna, si los medios o los partidos políticos. Es un momento complejo y a la vez muy estimulante para vivir, pensar y actuar.

—Desde que su primer disco se llamó “Del 63”, usted dejó claro que lo suyo iba por lo personal, como si ya desde ahí estuviera ofreciendo su corazón en su música. ¿No siente que alguna vez se expuso de más en sus canciones?

—Yo siento que no podría hacer nada si no pusiera mi experiencia en juego. Por supuesto que uno dentro de la ficción puede jugar a cualquier cosa, incluso en la vida de uno. No encuentro nada de malo en exponerlo. Puede que haya una pléyade de pudorosos a los que les parezca cursi mostrarse o exhibirse, pero en todo caso cada uno tiene sus formas, sus artistas, y muchos de mis artistas favoritos contaron sus experiencias. Lo que tampoco me exime o me prohíbe jugar a la ficción, y enrevesar la ficción con la realidad. Es totalmente lícito; y para las crónica y la noticia, existe el periodismo.

—Aunque menciona a la violencia de género, “Aleluya al sol” es una canción llena de alegría, lo que me hace pensar en otro disco que uno recuerda alegre porque empieza gritando “Yo te amo”. Pero también veo discos enojados. ¿Este es un disco que refleja un buen momento personal?

—La mejor respuesta para esta pregunta me la dijo mi amiga Lucrecia Martel por teléfono, hace un mes. Me llamó y me dijo: “Chango, hiciste un disco alegre en un momento triste del mundo”. Con una sencillez apabullante. Y creo que tiene algo de eso. Yo estoy en un buen momento con la familia, los hijos, mis amigos; un momento de plenitud y de mucha creatividad, y por otro lado estoy viviendo esa circunstancia en un mundo que arde. Entonces es difícil ser totalmente feliz en un mundo donde la mayoría no lo es. Y es inevitable que se cuelen los dos mundos adentro de La ciudad liberada.

Con cada nueva relación que se le conoce, los periodistas perezosos hablamos de la nueva musa de Páez. ¿Existe eso de la musa, sus mujeres lo han sido para usted?

—Vamos por la definición de musa, primero. Divinidad de la mitología griega, hija de Apolo, que protegía determinada ciencia o arte. Y la otra es: inspiración que siente el artista y que estimula o favorece la creación o composición de obras de arte. En este caso, la segunda es mucho más parecida a la vida real; hay personas que estimulan, favorecen la labor artística. En mi caso han sido generalmente mujeres, pero también han habido hombres que me han inspirado muchísimo, artistas de todos los tiempos. En el caso de las mujeres, también grandes poetas, cineastas o pintoras, y las mujeres más ligadas a mi vida: mi madre, mis abuelas, mis novias, las mujeres con las que he compartido tiempo, amor, fracasos y alegrías. Siempre esas miradas son estimulantes porque han sido miradas inteligentes y sensibles, ¿entonces cómo no va a estimular eso una obra?

—Uno se lo imagina, de niño en Rosario soñando con ser una estrella de rock y, vamos, lo consiguió. ¿La vida de la estrella de rock se parecía a lo que imaginaba?

—Yo creo que la única estrella de rock que tenemos en Argentina es Charly García. En todo caso, habría que definir estrella de rock. Yo me siento un hijo de mi padre y de mi madre, nunca dejo de sentir eso. Cuando subo a un escenario desarrollo todas mis virtudes, y no tengo ese desdoblamiento de personalidad tipo Dr. Jekyll y Mr. Hyde. En casa también soy así, hago cosas delirantes; intento incorporar todo, que la música y las artes sean una forma de vida en todos. Eso vive con las comidas, las idas a la escuela con tus hijos, la lectura, el amor, el sexo, los excesos. No diría que tengo una vida de estrella de rock ni mucho menos, y tengo que ganarme el pan todos los meses para llegar a fin de mes. A lo mejor me gustaría ser una estrella de rock un ratito; o a lo mejor lo he sido, y no sé si me gustó mucho en tal caso.

—¿Cómo va a ser el show en Montevideo?

—Y el show de Montevideo no te lo voy a contar porque te voy a contar la gracia. Estoy un poco celoso, igual, porque están todos muy enamorados de David Byrne ahora, y va a ser difícil remontar ese concierto extraordinario, pero vamos a hacer todo lo posible para estar a la altura.

 

 

 

 

 

¡Olé, Olé, Olé! en La Habana con The Rolling Stones

lunes, 02 de abril de 2018
4:58:06 p.m. 

El documental ¡Olé, Olé, Olé!: A Trip Across Latin America y una muestra fotográfica sobre la gira de la legendaria banda británica The Rolling Stones, tuvo su estreno este domingo en la capital cubana.

La cinta reproduce reconocidos temas de la agrupación como Sympathy for the Devil; (I Can’t Get No), Satisfaction; Honky tonk women y Paint it, black, grabados durante el concierto en vivo que hace dos años ofreció en la Ciudad Deportiva de La Habana la formación liderada por Mick Jagger, y el cual no fue trasmitido en vivo.

No solo el corto contiene las grabaciones del espectáculo en Cuba, sino que es un compendió de todo el tour realizado por The Rolling Stones a través de América Latina y países como Chile —por donde comenzó—, Argentina, Uruguay, Brasil, Perú, Colombia, México, para culminar aquí los últimos días de marzo de 2016.

 

Según confirmó la nota de prensa del Instituto Cuba de Arte e Industria Cinematográficos, la exposición contiene 15 fotografías tomadas durante la actuación en La Habana, donde hicieron historia al tocar frente a más de un millón de personas.

La muestra se realizó en coordinación con la Embajada Británica en la nación caribeña y estará abierta al público en la galería del céntrico cine capitalino 23 y 12, sede de la Cinemateca de Cuba.

Esta banda de rock se fundó en Londres en abril de 1962 y está considerada una de las más influyentes en la historia musical, ya que muchas de sus producciones clasifican entre las mejores de todos los tiempos.

(Fuente: Granma/PL)

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Muere la cantante de The Cranberries

lunes, 15 de enero de 2018
3:31:54 p.m. 

Dolores O'Riordan, la inconfundible voz de The Cranberries, una de las bandas más exitosas de los noventa, falleció este lunes a los 46 años de forma repentina.

Su cadáver fue hallado en el hotel Park Lane de la capital británica. La artista, intérprete de éxitos como Linger y Zombie, se encontraba en Londres grabando.

Nacida en Limerick en 1971, O'Riordan era la menor de siete hermanos y fue educada en el catolicismo.

O’Riordan se unió a The Cranberries en 1990 (llamados entonces The Cranberry Saw Us), junto con el guitarrista Noel Hogan, el bajista Mike Hogan y el batería Fegal Lawler.

  

Su salto a la fama llegó con su álbum de debut, Everybody else is doing it, so why can't we? (1993), que incluía la canción Linger, sobre el rechazo y las frustraciones del desamor adolescente, que se convirtió en su primer éxito global.

Su siguiente disco, No need to argue, publicado un año después, superó el éxito del primero y permitió a la banda adentrarse en nuevos registros y a O’Riordan, exhibir todo el potencial de su voz. Del disco se vendieron 17 millones de copias en todo el mundo, y convirtió a The Cranberries en una de las bandas más grandes surgidas del contexto del rock alternativo de los noventa.

 

Tras facturar otros tres álbumes de estudio más, los Cramberries pararon, pero se volvieron a activar en 2009, con el propósito inicial de actuar solo en directo. Finalmente sacaron dos discos más, el último de los cuales, Something else, una colección de versiones acústicas y tres temas nuevos, vio la luz el año pasado. Entretanto, O’Riordan editó dos discos en solitario (Are you listening?, 2007; No bagagge, 2009).

O’Riordan padecía un trastorno bipolar. La sobreviven dos hijos, que tuvo con Don Burton, exmanager de Duran Duran, con quien rompió en 2014 después de 20 años de matrimonio.

(Fuente: EP)